De l'antiquité jusqu'à Ibrahim El-Salahi, Kudzanai Chiurai et Jems Robert Koko Bi

Poursuivant l'objectif de trouver, dans l'art d'aujourd'hui, des réminiscences, des indices et des allusions aux œuvres d'autrefois, et de créer une sorte de conte romantique visant à célébrer l'essence immuable de l'être humain, j'ai voulu reconstruire un "pont figuratif", visant à relier et donc à réunir la plus ancienne tradition sculpturale de l'art africain, synthétisée dans les œuvres classées chronologiquement Figure assise, Masque à pendentif de la Reine-Mère et Guerrier et Accompagnateur, et ainsi réunir la plus ancienne tradition sculpturale de l'art africain, avec la recherche artistique plus actuelle d'El-Salahi, Kudzanai Chiurai et Jems Robert Koko Bi. Par conséquent, mon récit à la recherche d'un flux créatif-énergétique ininterrompu à travers les âges, dépourvu de ruptures drastiques, mais seulement de liens ou d'évolutions conséquentes, nous conduit à analyser d'abord, comme la plus ancienne, la Figure assise, une sculpture en terre cuite du XIIIe siècle qui, représentant une figure accroupie, semble représenter la métaphore de l'art de la guerre. semble représenter la métaphore de mon propre récit, visant à démêler l'émotivité unique et inéluctable inhérente à l'humanité, en la révélant peu à peu, comme si, d'un moment à l'autre, le chef-d'œuvre susmentionné étendait progressivement ses longues jambes croisées, montrant la continuité intemporelle de l'espèce humaine. Pour en revenir au chef-d'œuvre, il a été réalisé dans la région du delta du Niger, dans l'actuel Mali, précisément sur un site appelé Jenne-jeno, connu pour être la plus ancienne ville connue d'Afrique subsaharienne. De cette dernière, abandonnée vers 1400, il ne reste que quelques vestiges d'une ancienne société urbaine variée et sophistiquée, dont, par exemple, des objets en laiton moulé, en fer forgé, des pots en argile et quelques œuvres similaires à celle qui vient d'être étudiée. En parlant d'époque contemporaine, où nous mène la description de la Figure assise ? Stationnant d'un côté, en espérant ne pas être en double file, la tache du temps, j'ouvre la porte pour descendre dans l'année 2015 la plus proche, date de création de Pause Figurine, une sculpture de l'artiste ivoirien Jems Robert Koko Bi, qui, principalement par l'utilisation d'un support en bois, pratique une technique traditionnelle, selon laquelle aucune soudure ou autre matériau n'est ajouté à son œuvre. Le but de ce type de création est très similaire à celui de ma propre histoire, dans la mesure où le sculpteur interroge constamment l'histoire africaine la plus ancienne, afin d'ouvrir une réflexion sur l'existence et l'appartenance à une communauté, en transmettant le "culte" de la connaissance patrimoniale aux nouvelles générations. Enfin, comment est née l'association de ma Figurine assise et de ma Figurine pause ? C'est simple ! Les deux œuvres reproduisent, au moyen de techniques largement expérimentées, la figure humaine assise, qui passe, dans le cas de la seconde interprétation, d'une réflexion solitaire à la rencontre de plusieurs cerveaux pensants.

Personnage assis , 13ème siècle, Civilisation du Niger moyen.

Masque en ivoire du Bénin , XVIe siècle ap. J.-C., ivoire.

Remontons une fois de plus dans le temps, afin d'établir une nouvelle association entre le passé et le présent créatif de l'Afrique, en commençant par la contemplation de Guerrier et serviteurs, une sculpture en haut-relief en laiton qui, réalisée par un artiste d'Edo entre le XVIe et le VIIe siècle, représente un chef-d'œuvre de l'art béninois composé de sept figures : un chef guerrier central, deux soldats sur le côté et quatre petits serviteurs à l'arrière-plan. Ces figures ont été réalisées grâce à l'utilisation de proportions hiérarchiques, destinées à indiquer les personnalités les plus importantes avec un format plus grand, qui devient plus petit dans les rangs moins prestigieux. En effet, le chef guerrier se détache par sa taille des autres figures, suivi des deux soldats et, enfin, des serviteurs qui, nettement plus petits, mesurent entre un tiers et la moitié de la hauteur de la figure principale. Au-delà de la taille, toutes ces figures ont été réalisées à l'époque du Royaume du Bénin, un puissant État d'Afrique de l'Ouest du peuple Edo, qui a existé du 13e siècle à 1897. Dans le récit de l'art contemporain, en revanche, les figures armées, sortes de chefs guerriers et soldats des temps modernes, apparaissent souvent dans le récit figuratif de Kudzanai Chiurai, artiste et activiste zimbabwéen né en 1981, dont le répertoire artistique combine l'utilisation de techniques mixtes, y compris des peintures, des dessins, des vidéos et des photographies, conçues pour aborder des questions sociales, politiques et culturelles en Afrique du Sud. Je conclus le cycle d'associations entre le passé et le présent avec un autre "couple bizarre", en associant le masque à pendentif de la reine mère, une œuvre d'un artiste Edo du XVIe siècle, avec They Always Appear (1964), une huile sur panneau d'Ibrahim El-Salahi. La première sculpture, en ivoire d'Idia, représente le portrait de Iyoba, la reine mère de l'empire du Bénin au XVIe siècle, sous la forme d'un masque traditionnel. Il est important de souligner que c'est la position sociale élevée de la femme qui a déterminé la création de l'œuvre, les dames du Bénin n'étant généralement pas destinées à être célébrées par le biais de ce genre artistique. En ce qui concerne le style du masque, il s'agit d'un portrait sensible et idéalisé, représentant le sujet avec des traits doucement modelés, ainsi que des scarifications incrustées dans le métal et sculptées sur le front, qui s'ajoutent aux bandes de perles de corail sous le menton. En outre, la tiare et le collier ajourés présentent les visages barbus des Portugais, ainsi que des poissons de vase stylisés, animaux qui, parce qu'ils vivent à la fois sur terre et dans l'eau, représentent la double nature humaine et divine du roi. Les masques de They Always Appear, en revanche, sont représentatifs du premier style d'El-Salahi, avec l'intention d'explorer le potentiel visuel de l'iconographie arabe et africaine traditionnelle, dans laquelle les éléments figuratifs sont combinés avec des composants calligraphiques et linéaires, pour exprimer un art en accord avec le lieu où l'artiste a vécu : le Soudan, le pays à partir duquel l'influence de l'œuvre de l'artiste s'est étendue à l'ensemble du continent africain. En ce qui concerne les œuvres d'art créées par les artistes d'Artmajeur, il leur incombera d'approfondir les concepts de sculptures, de masques et de têtes africaines.

PARTY CHEERERS (2022) Peinture d'Olalekan Kolawole.

LA SCULPTURE ATTYE ART AFRICAIN (2022) Dessin d'Ananou.

Ananou : sculpture d'art africain

Le biros réaliste d'Ananou a reproduit une interprétation poétique de la statuaire africaine dans la monochromie bleue, à laquelle s'ajoutent des parties réduites d'une plus grande luminosité habilement rendues en blanc. C'est justement parce qu'il est rendu dans les couleurs susmentionnées qu'il semble représenter l'image vivante d'un souvenir intime de l'artiste, probablement emprunté à la contemplation d'un lieu qui lui était cher, où l'on gardait généralement des objets précieux comme des trésors. En focalisant notre attention sur le thème de la mémoire, l'œuvre d'Ananou active notre curiosité, nous incitant à nous documenter sur l'histoire de la sculpture africaine, que je vais tenter de résumer de manière synthétique dans ses points névralgiques. En commençant par les matériaux, il est important de souligner que la plupart des sculptures africaines étaient principalement faites de bois, parfois de céramique ou d'autres matériaux organiques qui n'ont pas survécu. En ce qui concerne les sujets, les masques et la figure humaine étaient extrêmement populaires, souvent réalisés de manière assez stylisée, faisant référence à une grande variété de styles, qui différaient à la fois dans le même contexte d'origine et en fonction de l'utilisation de l'objet. En outre, les tendances artistiques africaines ont également été largement régionales, ce qui a nécessité une étude sculpturale marquée par les mêmes lieux d'origine.

MASQUE AFRICAIN, MASQUE TRIBAL DU CONGO, 2 FACES OPPOSÉES MASQUE LUBA, (1986) Sculpture de Jafeth Moiane.

Jafeth Moiane : masque africain

Il est fort probable que si Salvador Dali voyait le masque réalisé par Moiane, il voudrait le porter pour se faire photographier bizarrement, car la figure humaine qui y est représentée se multiplie de manière surréaliste en son propre double, créant une vision qui semble rappeler des histoires plus crues de jumeaux siamois, de dédoublement de la personnalité ou de multiplication des fonctions visuelles. Malgré le soupçon de surréalité qui se dégage de la sculpture, il est bon de laisser l'artiste espagnol en dehors de ce récit, afin de se concentrer sur un thème plus pertinent qui vous éclairera sur la relation entre le monde des masques et celui de l'art africain. Tout d'abord, il est nécessaire de révéler comment les masques traditionnels africains, souvent considérés par nous comme de simples sculptures, jouent un rôle important dans certains rituels et cérémonies traditionnels, événements au cours desquels ils sont portés pour différentes raisons, parmi lesquelles, principalement, assurer une bonne récolte, répondre aux besoins des tribus en temps de paix ou de guerre, ou transmettre des présences spirituelles lors de rituels d'initiation ou de cérémonies d'enterrement. En ce qui concerne la description de l'objet, les masques se présentent généralement sous la forme d'un visage humain ou d'un museau d'animal, et sont réalisés avec un manque inhérent de réalisme, ce qui s'explique par le fait que la plupart des cultures africaines distinguent clairement l'essence d'un sujet de son apparence, le premier, plutôt que le second, étant l'objet réel de la représentation artistique. En ce qui concerne le style et les matériaux, les éléments qui caractérisent l'apparence d'un masque sont codifiés par la tradition d'une communauté donnée, qui est principalement explicitée par le travail du bois, bien qu'une grande variété d'autres éléments puisse être utilisée.

TÊTE D'AFRIQUE 2 (2021) Sculpture de Roberto Canduela.

Tête africaine 2 : Roberto Canduela

Roberto Canduela a représenté une tête qui, présentant des affinités évidentes avec la statuaire africaine, notamment en ce qui concerne l'allongement excessif de sa forme, a été immortalisée dans une expression clairement surprise, c'est-à-dire dans un cri d'étonnement contenu, qui fait que sa bouche se dilate en un cercle parfait. Je me demande alors ce que la tête africaine a dû entendre. Quels mots ont éveillé en elle l'émerveillement et, parfois, la curiosité d'aller plus loin ? Je suppose que quelqu'un lui a chuchoté à l'oreille la raison première de sa création, que l'artiste d'Artmajeur résume en ces termes clairs : "L'art africain a été, depuis sa naissance, l'une des principales références de l'art abstrait. Cette série de sculptures veut rendre hommage à l'art africain, qui a été si important dans l'art mondial, en utilisant certains de ses codes fondamentaux et en les rapprochant d'un style contemporain". C'est précisément pour corroborer ces dernières affirmations que je cite en exemple la recherche artistique d'Alexander Calder, auteur en 1928 de African head, une sculpture visant à souligner comment, dans les États-Unis de ces années-là, la popularité de la technique de la taille directe coïncidait avec une appréciation croissante de l'art africain et précolombien.