Oeuvres d'Art Tribal à vendre

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L'art tribal, également connu sous le nom d'art non occidental ou d'art ethnographique, ou, de manière controversée, d'art primitif, est l'art visuel et la culture matérielle des peuples autochtones. L'art tribal a souvent un but cérémoniel ou religieux. L'art tribal est le thème et l'artisanat d'objets issus de civilisations tribales, généralement d'origine rurale. Les œuvres d'art tribales ont toujours été rassemblées par des anthropologues occidentaux, des collectionneurs privés, des musées d'ethnographie et d'histoire naturelle.

L'art non occidental n'était pas du tout considéré comme de l'art par d'éminents professionnels de l'art occidental au XIXe siècle. Ces objets étaient plutôt perçus comme des artefacts et des produits culturels de cultures «exotiques» ou «primitives». Mais le regard porté sur les arts premiers a changé dans la seconde moitié du XXe siècle. Avant le développement du postmodernisme dans les années 1960, les critiques d'art considéraient les arts tribaux d'un point de vue strictement formaliste, accordant peu d'attention à la signification symbolique de l'œuvre, au contexte historique ou culturel ou au but de l'artiste. Depuis lors, les collections mondiales, les expositions et le marché de l'art ont tous commencé à accorder une grande valeur à l'art tribal, comme l'art africain dans les collections occidentales.

Le mot "tribal" pourrait créer une perception d'un type d'art inférieur qui est lié au primitivisme et implique un manque de sophistication en termes de capacité, de conception, d'intention ou de concept. Cependant, alors que les musées réévaluent et réorganisent leurs collections en reconnaissance du fait que l'art tribal est loin d'être grossier et primitif et démontre fréquemment une compétence d'exécution bien au-delà de ce à quoi nous nous attendons, il attire de plus en plus l'attention de le public général. Il a également la capacité de toucher nos âmes. Peut-être en raison de leur présence irrésistible et de leur énergie émotionnelle, nos instincts intérieurs sont éveillés et nous nous connectons à leur véracité, alimentant notre sens de la profondeur spirituelle.

L'art tribal compte trois catégories principales dans les collections des musées : l'art africain, en particulier l'art d'Afrique subsaharienne, l'art des Amériques et l'art océanien, en particulier ceux d'Australie, de Mélanésie, de Nouvelle-Zélande et de Polynésie.

Art tribal africain

L'art tribal africain comprend des sculptures sur pierre, des sculptures sur bois (masques et sculptures), des bijoux, de la vannerie, des tissus, des pipes, des instruments de musique, des armes, des perles et la création d'éléments architecturaux tels que des portes et des ornements muraux.

Toutes les tribus ne pratiquaient pas ces formes d'art; le développement de ces métiers a été influencé par la disponibilité d'outils, de ressources et de savoir-faire. Le matériau le plus courant était le bois, qui était souvent orné d'argile, de peintures, de coquillages, de perles, d'ivoire, de métal, de plumes, de poils d'animaux, de raphia et parfois même de bijoux semi-précieux.

Une religion englobante comprenait l'art africain comme une composante essentielle. Les images individuelles servaient d'incarnations ou de représentants des forces vitales censées être présentes dans tous les êtres vivants. Ces représentations des morts parlaient fréquemment pour eux, préservant l'essence de l'ascendance tribale et permettant aux gens de s'identifier aux esprits ancestraux. Bien que de nombreuses formes employées incluent des éléments profanes et que certaines œuvres d'art ne soient que décoratives et ornementales, les artefacts tribaux africains étaient généralement produits en tant qu'art religieux - pour un usage rituel ou cérémoniel spécifique.

De nombreux rituels tribaux sont basés sur l'initiation à des groupes d'âge, tels que les «sociétés» de jeunes hommes ou de vieillards, chacune ayant ses propres emblèmes et motifs de culte distincts. De nombreuses figures et masques sculptés sont associés à de telles «sociétés» et symbolisent fréquemment des dieux patrons ou des divinités comme le dieu du tonnerre ou le dieu du feu. Bien que certaines cultures aient produit des sculptures presque comme un article de luxe, elles sont aussi courantes et populaires que les masques et avaient un lien rituel. La tribu Yoruba au Nigéria était experte en sculpture de figures rondes et couronnait fréquemment ses masques généralement énormes avec une foule de mannequins intensément vivants, donnant l'impression qu'une fête était en cours. Le niveau et la réputation de la sculpture africaine étaient si élevés parmi les autres tribus, y compris les Yoruba, que les sculpteurs pouvaient atteindre une stature et une réputation quelque peu proches de celles d'un artiste bien connu en Occident.

Art tribal océanien

La Polynésie, la Micronésie, la Mélanésie et l'Australasie sont les quatre régions ethnogéographiques distinctes qui composent la sous-région d'Océanie. L'héritage créatif et les coutumes des peuples autochtones originaires de ces quatre endroits sont appelés art tribal océanien. La majorité de la Polynésie, de la Micronésie et de la Mélanésie ont finalement été affectées par cette culture Lapita. Un autre facteur était la civilisation vietnamienne Dong-Son (vers 600), qui était un important commerçant dans la région du Pacifique occidental et a laissé des artefacts en bronze qui ont été découverts dans toute l'Océanie.

L'art tribal océanien était lié à des cérémonies païennes impliquant le surnaturel, le culte des esprits, la fertilité, bien que chaque région et chaque groupe d'îles ait ses propres traditions artistiques, qui ont influencé ses arts et son artisanat. La majorité des matériaux utilisés par les artistes et artisans étaient périssables, un spectre assez large d'art a été produit, y compris la peinture corporelle, le tatouage, la peinture, la sculpture, la sculpture sur bois et l'art textile. Ainsi, relativement peu d'exemples, mis à part les structures en pierre et la sculpture, ont survécu.

Parmi les exemples célèbres d'art polynésien qui ont survécu, citons les temples en pierre des îles de la Société, de l'île de Pâques et des Marquises ; les sculptures monumentales en pierre (moai) de Rapa Nui/île de Pâques et des Marquises, illustrant l'utilisation de dessins incorporant des figures anthropomorphes avec des langues saillantes et des yeux exorbités, communs à de nombreuses régions orientales et reculées de la Polynésie ; et tissu d'écorce très orné en Polynésie occidentale.

Les masques étaient un thème majeur de l'art indigène dans toute la Mélanésie parce qu'ils étaient employés dans des rituels païens complexes et des pratiques de culte. En plus de la peinture corporelle et du tatouage, les artefacts tribaux micronésiens comprennent des masques en bois stylés, des canoës peints et des bols en bois sculptés. Les diverses formes et médias de l'art aborigène australien comprennent la peinture corporelle, la peinture rupestre, la peinture sur écorce, les gravures rupestres, les pierres dressées, la sculpture, la sculpture et les ornements ornementaux sur les outils et les armes.

Art tribal amérindien

Le mode de vie nomade et chasseur des premiers et l'environnement un peu plus statique mais néanmoins démuni des seconds ont fortement influencé l'art amérindien. La disponibilité des ressources, notamment le bois, l'osier, le métal, les os d'animaux, l'argile et le coton, était un autre facteur important dans l'émergence de traditions créatives spécifiques à la région.

Les tribus du sud-ouest étaient des maîtres du tissage, de la production de poterie et de la peinture à fresque. Ces tribus comprenaient les Hohokam du sud de l'Arizona, les Ansazi du nord de l'Arizona et du Nouveau-Mexique, les Mimbres du sud-ouest du Nouveau-Mexique, ainsi que les peuples Zuni, Navaho et Hopi. Les Amérindiens du sud-ouest ont développé la peinture au sable, communément appelée peinture sèche (notamment les Navajos).

Dans le Midwest, la culture a été entièrement créée par la tribu, et elle était réputée à la fois pour son art textile élaboré et ses travaux de terrassement bien connus, connus sous le nom de "monticules d'effigies", qui avaient la forme de divers animaux. En plus des bols en bois sculpté et des ornements en pierre polie et en cuivre, l'art tribal comprenait également des pipes en pierre sculptée avec des motifs allant de l'ultra-réaliste à l'abstrait.

Des coquillages finement sculptés, des accessoires vestimentaires richement peints et des tuyaux en forme d'oiseaux et d'animaux ont également été créés dans la région du Sud-Est. Cependant, malgré l'utilisation d'argile de mauvaise qualité, il était surtout connu pour sa belle poterie. Pour un usage cérémoniel, religieux et personnel, les poteries étaient fabriquées et décorées dans une variété de motifs floraux et géométriques.

La vannerie était un excellent exemple de l'art amérindien sur la côte ouest, en particulier en Californie. Les Indiens du Nord-Est, en particulier les Iroquois, étaient réputés pour leurs bols en bois dur, leurs ceintures de wampum tissées, leurs piquants de porc-épic et leurs masques de la False Face Society. Le plus grand art tribal du Nord-Ouest était la sculpture, en particulier la sculpture sur bois. L'un des types les plus répandus de sculptures sculptées à la main était les totems, les petites figures en bois et les masques méticuleusement peints et souvent incrustés de pierres et de coquilles d'ormeaux.

Influence sur l'art moderne

À partir du milieu du XIXe siècle, alors que de plus en plus d'expéditions rapportaient des artefacts tribaux, les collectionneurs et artistes européens ont commencé à s'intéresser à ce qu'on appelait alors le primitivisme/art primitif, qui était typiquement l'art de l'Afrique noire. La fin du XIXe et le début du XXe siècle ont vu d'importantes expositions d'art tribal qui ont introduit l'art non occidental dans le monde de l'art occidental. Le Musée d'art moderne a présenté d'importantes expositions telles que l'art indien des États-Unis de 1941 et l'art noir d'Afrique de 1935. De nombreux artistes contemporains, dont les expressionnistes, les cubistes et les surréalistes, ont trouvé l'inspiration en s'exposant aux arts tribaux.

Des artistes majeurs comme Vincent Van Gogh et Henri Matisse ont été profondément marqués par l'art tribal, tandis que Paul Gauguin en a eu un contact direct en Polynésie française. Ils ont été suivis par Pablo Picasso au milieu du XXe siècle, dont le célèbre chef-d'œuvre du début du cubisme, Les Demoiselles d'Avignon, mettait en évidence les masques africains. Le cubisme a été fortement influencé par l'art tribal. S'appuyant principalement sur les implications formelles de l'art tribal, l'artiste a rapidement endommagé le paradigme occidental en fracturant l'image et en sacrifiant la perspective. L'un des principaux résultats de ce fut la peinture abstraite.

À cette époque, le collectif allemand Die Brücke a commencé à se concentrer davantage sur les aspects intuitifs, primitifs et rituels de l'art non occidental, lançant l'important style d'art moderne connu sous le nom d'expressionnisme. En s'inspirant de l'art tribal, du cubisme et de l'expressionnisme à Zürich, New York et enfin Paris, les dadaïstes ont contribué au démantèlement du paradigme occidental. Le pendant tridimensionnel du collage et de l'assemblage est largement utilisé dans l'œuvre picturale ou sculpturale de Dada. Cette pièce fabriquée à partir de matériaux recyclés prouve que l'art peut être fait de n'importe quoi et ne se limite pas à être peint, sculpté ou modelé. Son imagerie était provocatrice sur le plan politique, social ou esthétique et combinait fréquemment des éléments d'art tribal. Dada a introduit les idées qui ont finalement donné naissance à l'art conceptuel. L'influence de l'art conceptuel a fusionné avec celles des autres courants de l'art moderne pour former le fleuve d'art contemporain vaste, large, extraordinairement riche, varié et internationalement diversifié dont le monde jouit actuellement.

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L’Art Tribal contemporain original est une forme d’art captivante qui a une signification historique et culturelle. Ce type d’art est créé par des artistes autochtones, qui sont inspirés par leurs formes d’art traditionnelles et leurs pratiques culturelles. Les principaux types de supports et de matériaux utilisés pour créer l’Art Tribal sont la toile, le bois, l’argile et les pigments naturels. Ce qui rend cette forme d’art unique, c’est la manière dont elle reflète l’interconnexion des communautés autochtones avec la nature et leur environnement. C’est une célébration de leur culture et de leur mode de vie, transmise à travers des motifs, des symboles et des couleurs complexes qui ont été transmis de génération en génération. L’Art Tribal est une fenêtre ouverte sur un monde à la fois ancien et moderne, et il nous permet d’apprécier la beauté et la diversité des cultures autochtones.

Origines et Histoire

Les origines de l’Art Tribal remontent à l’Antiquité, où les tribus indigènes ont créé des œuvres d’art complexes et significatives qui étaient utilisées lors de rituels et de cérémonies. Au fil des ans, l’Art Tribal a continué de prospérer, avec des Artistes Contemporains créant des pièces qui intègrent des éléments traditionnels avec des techniques modernes.

Évolutions de ces œuvres sur le marché de l’art contemporain

L’Art tribal contemporain original a connu une évolution significative ces dernières années. Cette forme d’art se caractérise par des couleurs audacieuses, des motifs complexes et un symbolisme puissant qui reflète l’héritage culturel des communautés autochtones. Ces œuvres d’art ont gagné une immense popularité sur le marché de l’art contemporain, les collectionneurs et les amateurs reconnaissant leur beauté unique et leur importance culturelle.

Artistes célèbres associés

Les artistes contemporains qui se sont fait un nom grâce à leurs œuvres originales d’art tribal contemporain comprennent :

1. Kent Monkman : un artiste canadien connu pour ses peintures, Monkman combine des éléments de l’art autochtone traditionnel avec des styles contemporains pour créer des œuvres uniques et provocantes. Son travail explore souvent les thèmes du genre, de la sexualité et du colonialisme.

2. Jeffrey Gibson : un artiste américain d’origine choctaw et cherokee, le travail de Gibson combine des formes d’art autochtones traditionnelles avec des matériaux et des techniques contemporaines. Ses œuvres présentent souvent des couleurs vives, des motifs géométriques et un travail de perles complexe.

3. Wendy Red Star : membre de la nation Crow, le travail de Red Star utilise la photographie, la sculpture et l’art de la performance pour explorer les questions liées à l’identité et à la représentation des peuples autochtones. Ses œuvres remettent souvent en question les stéréotypes et mettent en évidence la diversité des cultures autochtones.

4. Edgar Heap of Birds : artiste cheyenne et arapaho, le travail de Heap of Birds présente souvent des pièces basées sur du texte qui explorent les questions liées aux droits et à l’histoire des peuples autochtones. Il utilise une variété de matériaux et de techniques, notamment la peinture, la gravure et l’art d’installation.

5. Jaune Quick-to-See Smith : membre des tribus salish et kootenai confédérées, le travail de Quick-to-See Smith incorpore une gamme de médias, notamment la peinture, la gravure et le collage. Ses œuvres abordent souvent des questions liées à la justice sociale, à la politique et à l’environnement.

Ces artistes ont tous apporté des contributions significatives au monde de l’art tribal contemporain, en utilisant leurs perspectives et techniques uniques pour créer des œuvres puissantes et stimulantes qui incitent les spectateurs à réfléchir de manière critique aux questions liées aux cultures et histoires autochtones. Leur art sert de rappel de la richesse et de la diversité des formes d’art autochtones, ainsi que de l’importance de continuer à soutenir et à célébrer ces traditions dans le monde moderne.

Œuvres d’art tribal contemporain originales remarquables

"Red Man" de Jaune Quick-to-See Smith est un chef-d’œuvre d’art tribal contemporain créé en 1990. La peinture est une critique puissante de la manière dont les Amérindiens ont été mal représentés et stéréotypés dans la culture américaine. L’utilisation de couleurs vives et de coups de pinceau dynamiques par Smith capture la force et la résilience du peuple amérindien face à des siècles d’oppression et de marginalisation.

"Love" de Norval Morrisseau est une autre œuvre emblématique de l’art tribal contemporain. Créée en 1979, cette peinture est une célébration du pouvoir transformateur de l’amour et de sa capacité à guérir même les blessures les plus profondes. L’utilisation de couleurs vibrantes et de lignes fluides par Morrisseau confère à la peinture une sensation de joie et d’espoir, en faisant un favori parmi les amateurs d’art du monde entier.

"Esprits Gardiens" de Bill Reid est un exemple époustouflant de l’art tribal contemporain. Créée en 1980, la sculpture représente deux figures Haida veillant sur un petit village. L’incroyable attention aux détails de Reid et son utilisation magistrale des techniques traditionnelles Haida font de cette sculpture un véritable chef-d’œuvre de l’art autochtone.

Une autre œuvre significative d’art tribal est "The Storyteller" de Roxanne Swentzell. Créée en 1991, cette sculpture capture l’esprit des traditions de contes indigènes, avec une figure assise en tailleur et tenant un petit enfant sur ses genoux. L’utilisation de l’argile et d’autres matériaux naturels par Swentzell donne à la sculpture un puissant sentiment de connexion avec la terre et le monde naturel.

Enfin, "The Dance" de Jaune Quick-to-See Smith est une peinture vibrante et dynamique qui capture l’énergie et l’esprit des traditions de danse des Amérindiens. Créée en 1992, la peinture présente des couleurs audacieuses et des lignes fluides qui transmettent un sentiment de mouvement et de rythme. L’utilisation par Smith de symboles et de motifs traditionnels des Amérindiens ajoute de la profondeur et de la signification à la peinture, en faisant un véritable chef-d’œuvre de l’art tribal contemporain.