Bertold Werkmann, Broyage, 2022. Dessin, marqueur / stylo gel / encre sur papier, 30,5 x 22 cm.

Introduction à l'art du dessin

Le terme dessin fait référence à ce type spécifique de réalisation graphique, purement linéaire, visant à immortaliser des sujets et des objets tangibles, mais aussi des concepts abstraits, tels que, par exemple, les émotions, les sentiments et les fantasmes. Cette forme d'expression artistique se caractérise certainement par l'accent mis sur la forme, au détriment de la masse et parfois de la couleur, particularités d'autres techniques comme la sculpture et la peinture. Ces caractéristiques font du dessin la base de tous les arts visuels, puisque d'autres types de création, comme l'architecture et le graphisme, nécessitent et dépendent de croquis préparatoires. Cette relation ne doit cependant pas faire du dessin un simple art préliminaire, car il représente une expression artistique indépendante, capable d'offrir un large éventail de possibilités expressives, caractérisées par les corps, l'espace, la profondeur, la tridimensionnalité et même le mouvement. En outre, le dessin, tout comme les autres arts, est certainement aussi capable d'exprimer la personnalité de son créateur, à travers le flux de son trait, ce qui peut donner lieu à des déclarations artistiques même très personnelles. En conclusion, il convient de souligner que, bien que le dessin ait des origines très anciennes qui remontent même à l'âge de pierre, il n'a été considéré comme une forme d'art à part entière qu'au XIVe siècle. En fait, auparavant, cette forme d'expression artistique n'était conçu qu'en tant que conception préliminaire de peintures et de sculptures. C'est à la Renaissance, grâce à l'arrivée d'artistes tels que Léonard de Vinci et Michel-Ange, que le dessin est devenu une forme d'art à part entière.

Wood, Métastase, 2021. Dessin, encre sur papier, 40 x 30 cm.

Yahia Ouled Moussa, « Succulentes cactus « 11, 2021. Dessin, encre / marqueur sur papier, 32 x 24 cm.

Art abstrait

Le dessin a rencontré l'abstractionnisme certainement après 1910, année où le grand maître russe, Wassily Kandinsky, a donné naissance à la Première aquarelle abstraite qui, comme son titre l'indique, est la première œuvre d'art abstraite de l'histoire. À partir de ce moment, ce mouvement est devenu pour de nombreux artistes le moyen d'exprimer leur imagination, en la libérant des contraintes et des conventions qui avaient régi la pratique artistique jusqu'alors. En effet, le mouvement de l'abstractionnisme a déclaré, pour la première fois dans l'histoire, que l'art ne devait pas imiter la réalité. Par essence, une œuvre d'art abstrait a pour but de chercher et de trouver des formes et des images entièrement nouvelles, qui, différentes des formes réelles, peuvent donner une voix à l'intériorité de l'artiste.

Luc Pierre, Zone II, 2021. Dessin, pastel sur papier, 60 x 60 cm.

Mylène Gandon, Cercles version 3, 2022. Dessin, pastel sur papier, 42 x 32 cm.

Dessin abstrait

L'art abstrait n'est pas apprécié par tous les spectateurs, car pour beaucoup, l'incapacité initiale à comprendre ou à saisir sa signification constitue un obstacle majeur. En ce sens, la simplicité et l'accessibilité du dessin peuvent aider même le spectateur le plus sceptique à approcher le mystère de ce mouvement. En effet, à travers cette technique, le spectateur peut se sentir invité à participer librement, redécouvrant sa capacité à s'ouvrir devant une œuvre qui, tout en restant ambiguë, sera plus réduite et directe. Ces sentiments peuvent être ressentis à travers l'observation de deux dessins abstraits du MOMA de New York : Curiosité 1 d'Ulrike Mülle et Bleu/rouge, Phase : Dessins #4 de Richard Tuttle. En ce qui concerne Ulrike Müller, cette artiste abstraite contemporaine, qui traite souvent de la technique du dessin, crée des œuvres portant principalement sur les relations, telles que celles entre les individus et les groupes et celles entre les formes et les symboles. Curiosité 1 fait partie d'une série d'œuvres plus vaste, dont le but est d'explorer de multiples formes et variations compositionnelles liées aux thèmes de la sexualité. Ce dessin, icône du lexique général de la série, représente une image abstraite transcendante aux interprétations multiples. Quant à l'artiste post-minimaliste Richard Tuttle, il crée principalement des œuvres simples et élégantes visant à exprimer l'universalité de la manière la plus directe possible. En outre, l'œuvre de Tuttle, qui va des peintures aux sculptures, en passant par les installations et les dessins, se caractérise souvent par l'utilisation des matériaux les plus maigres et des gestes les plus délicats. Dans ce contexte Bleu/rouge, Phase : Dessins #4 exprime magnifiquement les particularités du travail de l'artiste.

Giulio Benatti, "Une seule goutte de paradis !", 2021. Dessin, pastel sur papier, 70 x 100 cm.

Quelques dessins abstraits d'artistes d'Artmajeur

L'investigation abstraite réalisée à travers la technique du dessin caractérise le travail de nombreux artistes d'Artmajeur qui, plus ou moins influencés par l'exemple des grands maîtres du passé, peuvent être représentés par les œuvres de Julie Bacon, Quand je quitte la maison, Mzerart Grg, Circum, et Izabela Hren, La Régénération. Dans ce contexte, il convient de souligner comment les deux premiers dessins ont été réalisés par la combinaison de différentes techniques, telles que l'aquarelle, le pastel, la cire sur papier, la craie, le crayon de couleur et l'encre, qui ont été ajoutées au dessin au marqueur prévalent.

Julie Bacon, Quand je quitte la maison, 2020. Dessin, marqueur / aquarelle / craie / pastel / cire sur papier, 30 x 40 cm.

Julie Bacon: Quand je quitte la maison

Le dessin sur papier de Julie Bacon raconte, à travers le vocabulaire de l'abstractionnisme, une expérience de la vie quotidienne de l'artiste, qu'elle décrit ainsi : "Lorsque je quitte la maison, je suis parfois submergée par tous les objets et toutes les influences qui m'entourent. Je commence à tout voir sous l'angle de sa forme et de sa couleur et, dans l'ensemble, c'est une expérience bouleversante et vivante". Ce récit nous fait prendre conscience de l'extrême capacité de synthèse de la réalité, qui peut être réalisée à travers l'abstractionnisme, donnant vie à des atmosphères de formes et de couleurs synthétiques qui, répandues rapidement sur le support, construisent une sorte de "remake" du chaos primordial. À cet égard, on a souvent tendance à penser que l'abstractionnisme naît du désordre ou de l'improvisation, alors qu'en réalité, il est le fruit d'un parcours souvent long et tourmenté de synthèse et d'expérimentation, dans lequel les influences qui peuvent provenir d'autres artistes ou d'autres environnements culturels ont largement leur place et leur poids. En parlant d'influences, l'atmosphère "chaotique" et colorée de l'œuvre de Julie Bacon semble être une "fusion" entre la Première aquarelle abstraite et la Composition VII de Vassily Kandinsky, chefs-d'œuvre dans lesquels des taches de couleur, des formes et des lignes s'harmonisent pour créer un équilibre chromatique qui suggère une symphonie musicale.

Mzerart Grg, Circum 25, 2019. Dessin, marqueur / encre / crayon / aquarelle sur papier, 50 x 50 cm.

Mzerart Grg: Circum

Le dessin de Mzerart Grg nous amène à une autre figure clé de l'abstractionnisme, puisque Circum semble être une version plus complexe du Disque simultané de Robert Delaunay. Ce dernier tableau représente la première œuvre à travers laquelle le maître français a cherché à se libérer complètement de toute expression figurative. La toile ronde du Disque simultané est divisée en cercles concentriques, eux-mêmes divisés en quatre segments circulaires sur l'axe horizontal et vertical. L'organisation chromatique suit un modèle de théorie des couleurs : le principe appliqué par Delaunay de contrastes de couleurs simultanés est basé sur le tableau des différentes intensités de couleurs élaboré en 1839 par Michel Eugène Chevreul, qui a classé les couleurs en contrastes complémentaires. Pour en revenir à Circum, il s'agit d'une version plus articulée du disque de Delaunay, car elle est tridimensionnelle, riche en effets optiques et en sections colorées, visant à poursuivre une intention résolument plus contemporaine : mettre en valeur la luminosité et l'intensité des couleurs qui enrichissent la forme du cercle.

Izabela Hren, La Régénération, 2019. Dessin, crayon sur papier, 100 x 70 cm.

Izabela Hren: La Régénération

Le simple dessin au crayon d'Izabela Hren nous rappelle une autre œuvre dans laquelle des compositions de figures géométriques sont superposées, à savoir Sans titre (Three Spiral Jetty Drawings) de Robert Smithson. Il est important de souligner que, dans ce dernier dessin, la multiplicité des formes est sûrement due à la nature du support papier graphique, visant à reproduire une spirale de rectangles. Sans titre a été créé pour exprimer l'innocence et l'universalité de Spiral Jetty, un chef-d'œuvre fondamental du land art créé par Smithson, que le dessin nous aide à contextualiser dans son expérience globale. Quant à La Régénération, cette œuvre n'est certainement pas une allusion à une autre œuvre de l'artiste, même si, en reproduisant une sorte de papier quadrillé, elle pourrait très bien laisser entendre ses projets, ses rêves et ses ambitions les plus cachés.